Lo stato psicologico di un individuo influisce sul modo in cui si esprime; le più grandi opere d’arte di Munch riflettono la sua vita tormentata.
I dipinti di Munch – che rispecchiano assolutamente la sua crescita difficoltosa, il suo stato mentale travagliato e la sua insoddisfacente vita sentimentale – sono, tuttavia, anche esemplificativi di una serie di preoccupazioni di fine Ottocento sulla salute della mente umana in un momento in cui le città moderne stavano sorgendo, le vecchie strutture di potere venivano rovesciate e si profilava la possibilità di un grande cataclisma (che, alla fine, si realizzò con la Prima Guerra Mondiale). Analizziamo la figura di uno dei simboli dell’esistenzialismo nell’arte.
UNA PSICHE PLASMATA DALLA MALATTIA E DAL TRAUMA
Munch nacque in una devota casa norvegese nel 1863 e subì diversi traumi all’inizio della sua vita: la madre e la sorella maggiore morirono di tubercolosi prima che lui compisse 15 anni, a una delle sorelle minori fu diagnosticata una malattia mentale e il fratello morì da giovane. Essendo lui stesso un bambino malato, Edvard si dedicò all’arte per occupare il tempo trascorso in casa.
Il padre, religioso, disapprova la sua decisione di abbandonare la scuola di ingegneria sul finire della sua adolescenza per dedicarsi alla pittura e cerca di distogliere il figlio da questo “empio mestiere” fino alla sua morte, avvenuta nel 1889, la quale lascerà la famiglia impoverita. Molte analisi dell’opera di Munch sono state dettate da queste svolte personali, oltre che dal suo esaurimento nervoso del 1908 – che lo portò in terapia clinica – e dalla sua successiva guarigione.
Il problema di un’interpretazione dell’opera di Munch che privilegi interamente la sua biografia è che tale lettura corre il rischio di proiettare su di essa la psicologia pop, invece di considerarla come un più ampio studio psicologico della mente umana.
Munch fu, effettivamente, un individuo particolarmente tormentato, almeno in alcune fasi della sua vita. Ma era anche un artista e un intellettuale pensante che viveva in un momento di fine secolo in cui molti dei suoi colleghi artisti e personaggi della cultura credevano di vivere alla fine dei tempi o di dover ripensare drasticamente la natura umana.
L’EPOCA DI FREUD E DELLA PSICOANALISI
Considerando che Munch apparteneva alla generazione di Sigmund Freud e dei primi vagiti della psicoanalisi, e che anch’egli comprendeva il potere dell’esperienza soggettiva e le forze irrazionali della mente, un quadro più sviluppato mostra Munch come un diagnosta della condizione umana interna, ben istruito sulle tendenze artistiche e intellettuali del suo tempo.
I primi lavori di Munch, ad esempio, avevano toni più chiari rispetto a quelli della maturità ed erano largamente influenzati dagli impressionisti francesi degli anni Settanta e Ottanta dell’Ottocento. Anche se nella seconda metà degli anni Ottanta del XIX secolo passò a soggetti più scuri, fu estremamente prolifico e continuò a dipingere paesaggi luminosi e ritratti più blandi di familiari e amici per tutta la sua carriera.
Le opere più pesanti, di ispirazione simbolista, per le quali diventerà famoso negli anni Novanta del XIX secolo, si sviluppano in un momento difficile della sua vita, ma anche La Senna a Saint-Cloud, un paesaggio acquatico delicatamente reso che gioca con il post-impressionismo di Paul Cézanne nella sua struttura compositiva. Non è in alcun modo un suggerimento di uno stato mentale tormentato.
“L’URLO”, UN’ICONA DI ARTE MODERNA
Essenzialmente, “L’urlo” è un quadro autobiografico, una costruzione espressionista basata sull’esperienza reale di Munch di un urlo che trafigge la natura durante una passeggiata, dopo che i suoi due compagni, visti sullo sfondo, lo hanno lasciato. In base al fatto che il suono deve essere stato udito in un momento in cui la sua mente era in uno stato anormale, Munch lo rende in uno stile che, se spinto all’estremo, può distruggere l’integrità umana. Le curve fluide dell’art nouveau rappresentano una fusione lineare soggettiva imposta alla natura, in cui la molteplicità dei particolari viene unificata in una totalità di suggestioni organiche con sfumature femminili; ma l’uomo è parte della natura e l’assorbimento in questa totalità liquida l’individuo. A partire da questo periodo Munch inserisce elementi art nouveau in molti quadri, ma di solito solo in modo limitato o modificato. In questo caso, tuttavia, nel rappresentare la propria esperienza morbosa, si è lasciato andare e ha permesso che la figura in primo piano venisse distorta dal flusso soggettivizzato della natura; l’urlo potrebbe essere interpretato come l’espressione dell’agonia dell’annullamento della personalità umana da parte di questa forza unificante. È significativo che, sebbene sia stato lo stesso Munch a vivere l’esperienza raffigurata, il protagonista non assomigli né a lui né a nessun altro. La creatura in primo piano è stata spersonalizzata e schiacciata nell’assenza di sesso o, semmai, impressa con una traccia della femminilità del mondo che si è avvicinato ad assimilarla.
Diversi fatti indicano che Munch era consapevole del pericolo di un’arte di questo tipo per un umanista nevrotico come lui. Abbandonò presto questo stile e, raramente, se non mai, sottopose una figura in primo piano a questo tipo di distorsione radicale e sistematica. In cima a un’altra versione del soggetto (Galleria Nazionale di Oslo) scrisse: “Può essere stato dipinto solo da un pazzo”. L’artista aveva certamente orrore della follia, che aveva afflitto la sorella Laura. All’interno del quadro, l’artista ha predisposto una difesa, sotto forma di una prospettiva a picco sulla carreggiata e sulla recinzione, che preserva un mondo razionale a tre dimensioni, tenendo a bada l’ondeggiare delle curve art nouveau. Al sicuro in questo mondo razionale, i due uomini in lontananza rimangono inequivocabilmente maschili. In primo piano, la natura unificata si è avvicinata a superare il recinto, tanto da stravolgere la forma e la personalità del protagonista. Ma il recinto lo protegge ancora dall’assorbimento totale nella follia soggettiva.
“LA FANCIULLA MALATA”: UN’IMMAGINE VISIVA PER LA CONDIZIONE UMANA
Quando Munch iniziò a dipingere soggetti più cupi come “La fanciulla malata” – uno di una serie iniziata nel 1885 che avrebbe rielaborato negli anni Venti – stava rispondendo al tumulto psichico della crescita in una casa dilaniata dalla malattia, ma stava anche incanalando gli aspetti interiori del movimento simbolista, che assunse la forma di una sorta di Romanticismo tormentato verso la fine del XIX secolo.
Come molte delle opere più potenti di Munch, “La fanciulla malata” è un dipinto su vari stati psicologici. Se la bambina malata (modellata sul modello della sorella di Munch, affetta da tisi) trasmette l’inevitabilità della morte, la badante senza volto, che china il capo e si rifiuta di incontrare lo sguardo del convalescente, prende il nostro posto come spettatore impotente che reprime l’idea della mortalità.
Il volto beatifico, anche se esausto, della bambina malata mostra una maggiore accettazione del suo destino. Sia lei che il custode sono pervasi da un’interiorità palpabile, grazie alla capacità di Munch di rappresentare una situazione complessa e psicologicamente carica senza sentimentalizzare i suoi soggetti.
Il suo famoso ritratto di una ragazza ansiosa e nuda seduta sul bordo di un letto, in Pubertà (1894-5), coincide con i suoi sentimenti di depressione (e repressione) sessuale e con le prime ricerche psicologiche sulle fasi della pubertà negli adolescenti. In particolare, Freud avrebbe pubblicato poco tempo dopo, nel 1905, i Tre saggi sulla teoria della sessualità, che comprendono una delle prime analisi approfondite della sessualità infantile.
